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Entrevista a Barrett Martin: sobre sus inicios, influencias e intereses en la música indígena y folclórica (All About Jazz)

El sitio All About Jazz publicó recientemente una nueva entrevista a Barrett Martin, en donde se refiere a sus inicios en la música, sus influencias, y su particular interés en música indígena y folclórica de distintos países, entre otros temas.

"El instrumento principal de Barrett Martin es la batería, pero también ha sido conocido por tocar el bajo vertical, así como diferentes tipos de instrumentos de percusión étnicos que él ha estudiado formalmente, viajando a menudo a sus países de origen buscando Griots y profesores. Sus créditos incluyen a las bandas de Seattle Skin Yard y Screaming Trees, los supergrupos Tuatara y Mad Season, y el cortmetraje hizo para PBS sobre su batería y la pintura Zen, 'Zenga And The Art Of Percussion ', que ganó el Premio Emmy el 2009.

El último proyecto de Martin es la banda Walking Papers, que formó con el vocalista/guitarrista Jeff Angell. La primera presentación pública oficial de la banda fue en un divertido espectáculo benéfico al aire libre para los veteranos heridos que también contó con el bajista de Guns N' Roses Duff McKagan y el guitarrista de Pearl Jam Mike McCready.


All About Jazz: ¿Cómo partió su carrera tocando música?
Barrett Martin: He estado tocando la batería desde la primaria, y durante toda la escuela secundaria y la universidad, en su mayoría en Big Bands y pequeñas bandas de jazz, y en algunos trabajos de orquesta también. Y luego, en 1987, me mudé de Olympia, donde me crié, a Seattle. En algún momento alrededor de 1988 conocí a Jack Endino, cuando él produjo una sesión para mi banda de punk, y nos llevamos bien. Él me pidió que tocara la batería en su álbum en solitario, lo que me llevó a tocar en su banda principal Skin Yard, que fue una de las primeras bandas de grunge de Seattle. Mi carrera musical ha sido así, como un fractal, sólo sigue evolucionando con los años.

AAJ: ¿Fue la batería tu primer instrumento?
BM: Sí, la batería siempre era lo primero. Me sentí atraído naturalmente a ella. Mi padre había sido un baterista en la universidad también, pero él nunca tocó profesionalmente. También empecé a tocar el contrabajo y el vibráfono/marimba cuando comencé la escuela secundaria, que se debió a que en lugar de batería en mi banda de jazz de la escuela secundaria sólo estaba abierto a estudiantes de tercer y cuarto año. Así, durante los primeros dos años me tocó el bajo eléctrico y contrabajo en la banda de jazz, que todavía tocan hasta el día de hoy. También toque instrumentos de percusión en la orquesta de la escuela secundaria y la universidad, así que básicamente me dieron una educación completa en teoría, percusión y secciones rítmicas en general. He sido muy afortunado al tocar con los bajistas con que he trabajado a lo largo de los años, y de vez en cuando me preguntan si quiero tocar el contrabajo o vibráfono en los álbumes de otras personas. Me gusta la variedad, me mantiene en vilo.

AAJ: ¿Quiénes fueron tus primeras influencias?
BM: Mis primeras influencias fueron los bateristas de jazz de los álbumes de las big bands que mis abuelos me dieron de su colección del '78. Por lo tanto, Gene Krupa y Buddy Rich , y, más tarde, bateristas como Art Blakey , Max Roach y Elvin Jones. Por supuesto, Keith Moon [de The Who] y John Bonham [de Led Zeppelin] fueron grandes influencias cuando finalmente el rock and roll se apoderó de mí, que fue realmente más en la universidad, lo creas o no. Neil Peart [de Rush] también, aprendí todos sus groove y rellenos. Soy de la escuela de pensamiento que si se puedes tocar como Neil Peart y John Bonham, puedes tocar casi cualquier cosa. Creo absolutamente que Peart y Bonham son los Titanes.

AAJ: ¿Cómo fue que te involucraste en la escena musical de Seattle?
BM: Cuando conocí a Jack Endino.

AAJ: ¿Cómo fue tocar música a nivel nacional e internacional?
BM: Bueno, Skin Yard fue una banda bastante grande en Seattle en esa época, y una banda indie respetada a nivel internacional. Así que mi primer disco con ellos, 1000 Smiling Knuckles (Cruz, 1991), se fue a la cima de los charts CMJ universitarios en 1991. Giramos por los EE.UU., Canadá y Europa, ese mismo año, por lo que esencialmente se hizo una gira mundial. Eso fue en realidad el cuarto álbum de la banda, y fue el álbum que abrió la brecha. También fue su álbum de ruptura, ya que, casi inmediatamente después de la gira mundial, la banda se separó, aunque grabamos un álbum más, Inside The Eye (Cruz), que se publicó póstumamente en 1993. Me pidieron que me uniera a Screaming Trees a finales de 1991, e inmediatamente entré en el estudio y grabé Sweet Oblivion (Epic, 1992), que resultó ser el álbum que abrió una brecha también.
Pasé tres años en Skin Yard, y los tres primeros años de mi larga década de permanencia en Screaming Trees en la carretera. Básicamente gire casi sin parar desde 1991 a 1995, por lo que fueron casi cinco años seguidos. Todas mis pertenencias, incluyendo a mi colección de percusión con la que crecí, las dejé en una unidad de almacenamiento por casi la mitad de una década hasta que finalmente me compré una casa. Me fui a vivir lejos de una maleta y habitaciones de hotel.

AAJ: ¿Qué te influenció a estudiar música indígena y folclórica?
BM: Siempre me gustó la música indígena mundial debido a su primacía musical y a su calidad orgánica natural. Creo que cuando era niño partió con la colección de mi padre de Jazz Latino y otros discos que suenan exóticos, yo era demasiado joven para recordarlo. Recuerdo la reproducción de música hawaiana, por ejemplo. Luego mis padres se mudaron a Australia desde hace varios años y cuando iba a visitarlos oía música aborigen, y más tarde, cuando fui a Nueva Zelanda, oía cantar los maoríes. Seguí viajando por mi cuenta, a África Occidental para estudiar la percusión Wolof Griot en Senegal, y tambores Ewe en Ghana. En otro año me fui a Cuba, y al año después de eso hice dos largos tour en Brasil.
Eventualmente regrese a la universidad e obtuve mi grado de maestría en la Amazonía peruana trabajando con el pueblo indígena Shipibo, que era una cultura totalmente vocal sin ningún tipo de tambor. En la universidad también trabajé con el maestro músico iraquí Alhaj Rahim, y aprendí un poco de la teoría básica de la música árabe, que profundamente ha influenciado mi manera de pensar sobre la música. En términos generales, mi creciente interés por las músicas del mundo vino a mí al visitar esos lugares y experimentar la música del lugar de primer mano, en el terreno. Yo estudié antropología y etnomusicología en la universidad a nivel académico, pero en realidad, me encanta escuchar a una gran banda de Salsa, o un canto de un chamán Shipibo, o un disco de Fela Kuti, o lo que sea según el estado de ánimo musical en un día determinado.

AAJ: ¿Cómo dirías que tus estudio de la música indígena y folclórica han influido en tu propia manera de tocar?
BM: Bueno, ciertamente todos los diferentes sistemas de percusión que he estudiado han influido en mi forma de tocar la batería. He añadido una gran cantidad de ritmos y grooves que de otra forma nunca hubiera probado con la manera convencional occidental de tocar. Como compositor y escritor de canciones, creo que mi exposición a la música del mundo, y al jazz antes de eso, me ha dado ideas alternativas a las estructuras del rock y del pop. Quiero decir, todas las diferentes escalas posibles, maqams arábigos y ragas indios, por ejemplo; sub-estructuras rítmicas africanas, cubanas y brasileñas, y la forma en que una melodía puede trabajar sobre la parte superior de una compleja serie de cambios - todo eso ha influenciado mi manera de pensar y de escribir música, para siempre. Es decir, cuando usted realmente piensa acerca de eso, todos los grandes letristas y compositores finalmente investigas sobre las músicas del mundo, porque ellos ven cuan infinito y maravilloso es, y ellos quieren seguir aprendiendo y creciendo. De Bartók y sus melodías folclóricas húngaras a Paul Simon y Peter Gabriel, los más grandes escritores  por siempre de la música mundial finalmente.

AAJ: ¿Tienes alguna sugerencia para las personas que están tratando de tener éxito como músicos?
BM: Me hacen esta pregunta todo el tiempo, y todo lo que puedo decir es esto: si usted sabe que va a ser un músico sin importar qué, entonces te quedas en el camino musical sin importa qué. Literalmente, no importa lo que te pase, lo bueno y lo malo, todas estas cosas forjan tu espíritu y carácter para convertirte en un gran músico. Tu vida es la música. No es sólo hacer música para un período que es fácil, lo haces a través de lo grueso y lo delgado. Esos son los músicos que más admiro, los que aguantan. En un esencial y místico nivel, tu eres la música y la música te da forma a lo largo del tiempo. Es una búsqueda de por vida, tal vez una búsqueda de muchas vidas. Ser músico es una responsabilidad sagrada, por lo que recuerdo. Tu estás haciendo el arte más elevado.


AAJ: ¿Estás satisfecho en donde tu estás ahora como músico?
BM: Satisfecho sí, pero siempre estoy tratando de aprender cosas nuevas y desarrollar mi forma de tocar y componer. En una noche cualquiera, en cualquier ciudad del mundo, puedo ir a ver a un baterista mejor que yo. No es difícil de hacer. Puedo ir al mejor club de jazz y voy a ver a alguien mucho mejor que yo. Por otra parte, cada uno de nosotros tiene un estilo particular y forma de tocar y no veo a muchos bateristas que tocan lo mismo que yo, son muy pocos en realidad. Sólo trato de mejorar en mi forma de tocar la batería, evolucionar en mi estilo de tocar, mejorando mi técnica y el gusto. Eso es lo único que se puede hacer, cualquiera sea el instrumento que toques."

credits: Jack Gold-Molina/All About Jazz

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